He encontrado un texto bastante interesante de Edward Hopper, buscando más por internet, he visto que no hay muchos recursos acerca de este artista en castellano, asi que no he podido resistirme a traducir -con todas mis limitaciones ligüisticas-este texto, originalmente escrito por Brett Ungles.

Una obra de arte eficaz trasmite al que la está observando algo que puede contar, con lo que, un buen artista es el que tiene la habilidad de crear estos trabajos. El mayor rol del artista en la sociedad debería ser retratar algo de lo que los observadores pudieran narrar personal y emotivamente. Edward Hopper (1882-1967) fue agraciado con la abilidad de producir estas citadas obras de arte cuyos mensajes son tan válidos en la actualidad como lo fueron en su tiempo, en la primera mitad del siglo diecinueve. Los observadores de cualquier edad o clase social pueden narrar los mensajes y emociones que aparecen recurrentemente en la obra de Hopper. Esta relación traslada a los observadores a la misma escena, recordando experiencias y sentimientos propios, tal como la soledad y aislamiento, que aparecen como temas recurrentes en Hopper. Este increible talento para utilizar los elementos formales de linea, forma, ritmo y unidad para crear esta conexión emocional con los observadores hace de Edward Hopper un estandar por el cual otros artistas deberían ser juzgados.

El propio juicio al que fue sometido Hopper por sus compañeros fue un factor decisivo para formar tanto los aspectos personales como artisticos de su vida. Durante su adolescencía, fue habitualmente burlado por sus compañeros de clase por su altura y escasa corpulencia, llegando a medir 180 centimetros a la edad de 12 años. El Hopper adolescente renunció a la sociedad y se empezó a dedicar a refinar su talento artístico. Durante este tiempo, él desarrolló su expresiva forma de entender el arte y pronto comenzó a decir más cosas con su pintura que con palabras. A pesar de pintar escenas americanas, el insistia que solamente trataba de pintarse a sí mismo. De hecho, es esta soledad y aislamiento de su adolescencia que apareció para convertirse en uno de los temas compartidos por muchos de sus temas, tanto animados como inanimados.

Hopper utilizó muchas imagenes arquitectonicas en su trabajo, por la gran cantidad de lineas verticales, horizontales y formas que le daban mucho ritmo a su trabajo. Hopper era capaz de personificar sus edificios con sus elecciones del color y de los alrededores. Su House by the Railroad de 1925 es un perfecto ejemplo de un objeto inanimado que sugiere emociones. La soledad de la casa y esa casi terrorifica soledad la consiguió por la sustracción de detalles más que por añadirselos. El quitó gran parte de la casa real y eliminó por completo los alrededores, a excepción de las vias del tren, que otorga a la imagen una sensación de abandono. Para aumentar las emociones que sugiere el cuadro, Hopper utilizó la iluminación para enmascarar con sombras casi todas las entradas de la casa, dandole una oscura y siniestra presencia. El poeta Mark Strand escribe “la casa brilla con finalidad… como un ataud.” Bajo una mayor inspección, la casa aparece más como un lugar para morir más que un lugar para vivir. Los observadores del cuadro pueden facilmente hablar de la situación de la casa, ya que casi todo el mundo ha vivido una situación similar de abandono y soledad. Creadores de películas y dibujantes apreciaron especialmente este aspecto inquietante de la tristeza de la casa, llevandoles a utilizar esta casa como modelo para sus respectivos trabajos. Se han podido ver distintas versiones de esta casa en “Gigante” de George Stephen, “Psicosis” de Alfred Hitchcock o en los dibujos de la “Familia Addams”, de Charles Addams. Esta habilidad de Hopper para inspirar y crear emociones es una de las razones de su grandeza.

Otro de sus trabajos mas relevantes es Room in New York, de 1932. Esta obra muestra una pareja a través de una gran ventana, cogiendo parte de la pared exterior de la casa. El hombre concentrado en su periodico y la mujer tocando el piano como casualmente, aunque su atención está mas dirigida al hombre. El cálido color de su vestido añade la ilusión de que ella es una persona amante mientras que él, vestido en colores oscuros, permanece impasible. La situación crea un sentimiento de extraño silencio, roto solo por el sonido de las tristes notas del piano. Desafortunadamente, casi todas las parejas se pueden identificar con esta situación familiar, pero incómoda. Añadido al aislamiento y la tristeza de la obra, esta la frío, gris oscura y negra piedra exterior, que les atrapa en la pequeña habitación. Pese que el cuadro enfatiza el mutuo aislamiento, el artista y su audiencia sienten que es un excelente ejemplo de unidad en el trabajo. El autor remarca su uso de los cuadrados y rectangulos no solo para dramatizar la situación, relacionando las cajas con el aislamiento, pero tambien acercando el tema de la escena al espectador. La habilidad de Hopper para narrar una historia entera y crear emoción a traves de una simple pintura debe ser admirada.

Probablemente su trabajo más reconocido es Nighthawks, de 1942. En él retrata a unos pocos clientes de un café nocturno. La escena esta vista a traves de una gran ventana en una esquina de una calle totalmente desolada, sin un atisbo de vida o movimiento fuera del café. La gente parece haberse refugiado en la seguridad del cobijo brillantemente iluminado, huyendo de la tortura que otra noche oscura y solitaria puede dar. La gente disfruta especulando acerca de las historias de cada uno de los clientes, asi como del encargado del café. Ellos parecen estar esperando silenciosamente por sus respectivas horas para volver a casa mientras están en el bar, manteniendo una poca, si hay alguna, conversación. Cada cliente parece estar intentando escapar del dolor de la triste y solitaria noche. De nuevo, Hopper introduce su propia soledad utilizando sus elementos arquitectónicos para crear ritmo y los colores oscuros del exterior para establecer el estilo lúgubre de la obra. Muy pocos artistas poseen esta capacidad para narrar una historia diferente para cada uno que ve su obra.

Otro brillante aspecto del trabajo de Hopper es su habilidad para producir una luz solar natural. Contrastandolo con la oscuridad de sus trabajos Nighthawks o Room in New York, el realizó muchos trabajos que recreaban la luz y sus efectos sobre los elementos representados. La atracción que Hopper tenia con la luz puede aparecer derivada de su aprecio por la linea y la forma. El modo en el que cada luz crea un patron es casi como la geometría que hacía tan atractivos los elementos arquitectónicos. La luz también puede ser utilizada para crear lineas y formas con el objeto de establecer un ritmo en su obra. Este afecto por el solo resulto en la creación de obras como Morning Sun, de 1952, A woman in the sun, de 1961, o Sun in an empty room, de 1963, que son todas unas representaciones bastante naturales de los patrones o texturas que crea la luz solar al amanecer. A pesar de que estos trabajos son como celebraciones de la existencia del sol, aun retienen ese tema común y recurrente a Hopper, como la soledad y el aislamiento. Tan simple como puede ser, están hechos majestuosamente para mantener la unidad de su trabajo.

Tanto pintaba una casa cerca de unas vias de tren, una pareja en una habitación o simplemente una habitación llena de la luz solar, Edward Hopper era capaz de crear unas imagenes aparentemente simples. Donde habia soledad, el creaba unidad y ritmo a traves de las lineas y las formas de los alrededores o con la luz del sol que tan cuidadosamente reproducia. Sus obras de arte, con su maestría con los elementos formales para producid poderosas e inspiradoras narraciones es uno de los grandes tesoros que los Estados Unidos ha tenido. Mientras la gente sea capaz de ver su obra, habrá gente que se pueda relacionar con los temas de sus obras.